Immaginiamo l’universo come una lunga, costante ed immutabile nota musicale suonata all’infinito, essa regola tutto il creato e la vita di tutti gli uomini; accordarsi con l’universo significherebbe quindi essere noi stessi parte viva di esso e non semplici ascoltatori. Questa tecnica è riscontrabile in tutti i movimenti magici e spirituali, dove la presenza di preghiere, cantilene e qualsiasi forma ritualistica, presentano un determinato modo di porsi rispetto alla modulazione della voce.

 La musica si adatta e si plasma come una eterna energia che deriva direttamente da sconosciuti universi, perciò riesce facilmente a nascondere dietro un pentagramma segreti e misteri.

Inevitabilmente moltissime musiche traggono ispirazione nel portato della Massoneria, ovvero nel bagaglio di conoscenza, di valori, di spiritualità vivente e vissuta nella Logge. In questo senso si può parlare di musica Massonica. 

Per chi non lo sapesse, moltissime musiche massoniche sono divenute inni nazionali: fra questi il brano “The Star-Spangled Banner”, cioè l’inno nazionale degli Stati Uniti d’America, che in realtà venne composto nel 1796 da Stafford Smith con il titolo “To old Hiram in Heaven, were he sat in full glee” e si trattava del canto della Loggia londinese “Anacreontic Society”. Solo nel 1814 il titolo venne cambiato in quello che oggi conosciamo e dopo quasi un secolo divenne l’inno nazionale statunitense. 

Questo non è il solo esempio di inni originati da musiche Massoniche, altri esempi sono quello austriaco di Mozart, quello tedesco di Haydn, e la stessa famosa “La Marsigliese” è stata composta da Rouget de L’Isle, anche lui Massone.

Anche in Italia il panorama è abbastanza vasto, tra i più noti musicisti vicini ai Figli della Vedova ricordiamo Salieri, Cherubini, Paganini, Boito, Verdi e Puccini; ma partiamo dagli inizi per capire come si è evoluta la musica in seno alla Massoneria.

 

Si è soliti far coincidere la nascita della musica in ambiente Massone con la fondazione della Grande Loggia di Londra, il 24 Giugno 1717; anche se nello statuto della Loggia non si parlava espressamente di musica o composizioni musicali, esistevano già quattro canti che si era soliti intonare alla fine degli usuali banchetti tenuti presso la locanda londinese “All’oca e alla graticola”. Possiamo quindi ritenere che la musica è sempre stata partecipe alle vicende della Massoneria, in particolare durante i riti nei quali erano presenti dei piccoli complessi strumentali chiamati “Colonne d’harmonie”, formati da due clarinetti, due corni e due fagotti.

Quale distinzione esiste tra un brano di musica Massonica e un qualsiasi altro brano musicale?

 

Invero non esiste un canone di musica massonica. La maggiore differenza viene data dalle tematiche, ma anche da precisi e ben evidenziati simbolismi numerici che caratterizzano la struttura dell’orchestrazione; proprio in questo senso un perfetto esempio ci viene dato dall’opera classica più nota di ispirazione Massone, influenzata dai misteri dell’Egitto e dalla dottrina alchemistico-cabalista dei Rosacroce, che è considerata quasi un Inno Massonico a tutti gli effetti: Il Flauto Magico di Mozart. 

L’ingresso di Mozart nelle file della Massoneria è rintracciabile nell’anno 1784. Venne iniziato il 14 dicembre 1784 nella Loggia "La Beneficenza", dopo il suo trasferimento da Salisburgo a Vienna: da allora iniziano le sue composizioni musicali destinate ai lavori di Loggia. Come è possibile desumere dai carteggi del grande compositore, egli considerava la musica composta per i Fratelli Massoni come sacra, alla stessa stregua di quella che scriveva per la Chiesa ma contemporaneamente con un maggiore senso di libertà nel comporre, in quanto i brani musicali composti per le Logge non dovevano soddisfare alcuna esigenza, erano semplicemente moti dello spirito del compositore riportati in note musicali.

Mozart compose molti brani musicali che sono facilmente riconducibili a tematiche Massoni. All'universo della musica massonica apparterrebbero, fra le altre opere, la “Cantata K471” del 1785 detta "La gioia del Massone" in cui l'aria del tenore recita testualmente : "vedere come la natura scopre lentamente il suo volto allo sguardo dello scienziato attento, come egli con alta sapienza riempie pienamente la sua mente e il suo cuore con la virtù. Questo è il pascolo degli occhi del vero massone, ardente gioia del libero muratore", la K484 nella quale recita testualmente: "ogni uomo gioisca di nuovo nella catena d'oro della fratellanza che lo unisce a gente migliore e gli addolcisce l'amaro calice della vita... Sollevateci sulle ali della verità fino al trono della sapienza", “L'Adagio” per 2 clarinetti e 3 corni di bassetto K411 dello stesso anno : e la “Musica Funebre Massonica” K477 (pure questa del 1785), oltre alla “Piccola Cantata Massonica” K623 del 1791. 

Mozart è stato un genio musicale e forse solo nella sua musica può rinvenirsi l’ispirazione di un canone di musica massonica. Mozart creò un nuovo simbolismo musicale adattandosi a quello Massonico; in questo modo il famoso ritmo dei tre colpi alla porta assunse un alto valore simbolico nella sua opera “Il Flauto Magico” composta presumibilmente fra la primavera ed il settembre del 1791, mentre le note legate a due a due rappresentavano i legami dell'amicizia.

Ufficialmente il libretto del “Flauto Magico”, dal quale trae spunto, venne scritto da Schikaneder, Fratello Massone di una Loggia di Vienna, ma è evidente la partecipazione in molti punti dello stesso Mozart; il fare parte della Loggia “La Beneficenza” favorì certo il compositore nello studio della mitologia e del simbolismo applicato ad essa. 

I limiti imposti da una tavola non consentono di argomentare nel dettaglio, con dovizia di particolari la ricchezza e la complessità di questo capolavoro, ma per vedere come queste conoscenze sono state applicate alla composizione è ineludibile ripercorrere le scene dell’opera.

  

Le vicende raccontate nel “Flauto Magico” sono in sostanza la trasposizione in musica, versi e scenografia delle ore che passano e che si inseguono, della luce che diventa ombra e della tenebra che ritorna ad essere luce. Luce e buio quindi, il principio maschile e quello femminile , la coscienza e l'inconscio, opposti che si incontrano entrando in sinergia tra loro.

Il primo atto si apre con la visione di un paesaggio roccioso in cui il principe Tamino, abbigliato in costume giapponese e munito di un arco privo di frecce, cerca di sfuggire a un enorme serpente. Dopo avere invocato gli dei in suo soccorso, perde conoscenza. Le Tre Dame della Regina della Notte, armate di un giavellotto d’argento, escono dal tempio e uccidono il serpente; poi, un poco dispiaciute di dover lasciare un giovane così bello e così dolce, vanno ad avvisare tutte insieme la loro padrona. Fin dall’inizio il Flauto Magico ci immerge in un mondo di simboli: il nome del protagonista (così come quello di Pamina) è di origine egiziana, derivando da Ta-Min e Pa-Min, cioè servo e serva del dio Min, antica divinità dell'Alto Egitto, protettore della fecondità e della fertilità. L’abbigliamento giapponese di Tamino, apparentemente è in contraddizione con l’ambientazione egiziana dell’opera, ma semplicemente ci svela che il principe viene dall’Oriente, dal luogo cioè dove ha inizio l’attività solare. Tamino è più di un principe: è un uomo, è l’uomo eletto che raggiungerà la sapienza. Verosimilmente Mozart si identifica nel personaggio. L’arco senza frecce a significare che il principe non ha ancora le “armi” della conoscenza. Il serpente, quando viene rappresentato nell’atto di mordersi la coda è simbolo della ciclicità del tempo, dell’eterno alternarsi della morte e della nascita, ma nella scena è libero di muoversi e quindi assume altro significato, quello della tentazione, ed è fatto a pezzi – tre, per la precisione, come ci mostra un bozzetto scenografico del 1794 – dalle Tre dame con i loro giavellotti d’argento: l’argento è uno degli elementi della sfera femminile e in questa scena compare, per la prima volta, il numero Tre, che ricorrerà poi regolarmente per tutto il corso dell’opera. La perdita di conoscenza ha anch’essa una valenza simbolica: è la “morte simbolica”per rinascere a nuova vita, passaggio indispensabile nella tradizione iniziatica, ma condivisa da ogni religione - nemmeno il Cristianesimo ne è escluso, e lo dimostrano le parole di S. Paolo: “Voi siete morti e la vostra vita rinasce in Gesù Cristo”.

La scena I da sola svela un mondo di simboli, ma ogni scena ci immerge e accompagna all’interno del rituale iniziatico massonico, nel viaggio simbolico che avviene nell'animo di ogni iniziato: "Attraverso la notte verso la Luce".

E’ il passaggio fondamentale ai fini di una piena comprensione. La Regina della Notte spiega alla figlia Pamina le ragioni del suo odio nei confronti degli iniziati e le rivela: «Tuo padre, che qui era il maestro, si è privato volontariamente del Settemplice Cerchio Solare per darlo agli Iniziati di Iside. Un altro, non lui, porta ora sul suo petto il possente emblema del Sole. Sarastro. Poco tempo prima della sua morte, io rimproverai tuo padre per questo. Egli allora mi rispose, in tono severo: “Donna, io sto per morire; tutti i tesori che furono miei io li lascio a voi, a te ed a tua figlia”. “E il Cerchio Solare che ingloba l’universo e lo penetra dei suoi raggi, a chi lo lascerai?” gli chiesi vivamente. “Esso appartiene ai soli Iniziati”, fu la sua risposta. “Sarastro ne sarà il maschio guardiano, come lo sono stato io stesso fino a quest’oggi. Non chiedermi una parola di più. Queste cose sono inaccessibili alla tua mente di donna. Il tuo dovere è di sottometterti interamente, e così anche tua figlia, alla volontà di questi sapienti”».  

Scomparsa sottoterra la Regina, ricompare Monostatos, che si è impadronito del pugnale e tenta nuovamente di piegare Pamina ai suoi desideri, ma viene fermato, questa volta, da Sarastro, che rassicura la fanciulla sul destino di sua madre e rifiuta ogni vendetta. Allora Monostatos, che comunque continua a sognare di possedere Pamina, a tal fine decide che è meglio abbandonare Sarastro e passare al servizio della Regina, perché - egli dice - « se il bisogno consiglia, si può servir la madre per la figlia ». 

Nel frattempo l'oratore lascia Tamino e Papageno e indicando loro il cammino che devono compiere da soli, impone loro di nuovo il silenzio. L'elemento comico nella XIII scena è dato dalla fatica di Papageno a osservare il silenzio, in contrasto con la serietà di Tamino impegnato a zittirlo. Papageno parla allora con se stesso; rimpiange i suoi boschi e lamenta che quei signori (i sacerdoti) non gli diano nemmeno due gocce di acqua fresca. Appare allora una vecchia bruttissima con un grande bicchiere d'acqua in mano per Papageno. Segue un buffo parlato, durante il quale la vecchia dice di avere diciotto anni e due minuti e spaventa Papageno quando gli dice che il suo amore è proprio lui. 

A questo punto ricompaiono i tre Fanciulli, cioè le tre guide, i quali danno per la seconda volta il benvenuto a Tamino e a Papageno, e restituiscono al primo il flauto d'oro e al secondo la cassetta dei campanelli, che furono loro tolti all'entrata nel tempio. Offrono loro anche un pranzo, che rallegra molto Papageno, mentre Tamino riprende a suonare il flauto. Sentendo il flauto Pamina è accorsa, ma Tamino, impegnato a superare la prova del silenzio, le fa cenno di allontanarsi. 

L'afflizione di Pamina è grande per questo inaspettato atteggiamento di Tamino, e canta la bell'Aria « Ah! tu non m'ami! Io col mio pianto importuna mi rendo... » . 

Sarastro elogia Tamino per la sua condotta e l'informa che gli restano ancora due prove da superare. Pamina si angoscia per i pericoli che dovrà affrontare Tamino e teme di non rivederlo piú, ma Sarastro la rassicura che tornerà. Papageno intanto ha perduto Tamino e lo rincorre affannosamente. L'oratore gli dice che i suoi errori saranno perdonati dagli Dei, ma non speri per questo di essere ammesso alle gioie celesti degli iniziati. Papageno risponde che un buon bicchier di vino sarebbe, per lui il piú celeste piacere. Quando l'Oratore gli dice: « Va stolto. E ben l'avrai », Papageno canta un'aria tipicamente mozartiana, in cui dice che se trovasse una donna, allora il bere e il mangiare sarebbero deliziosi, allora sarebbe uguale ai príncipi e gli parrebbe di essere agli Elisi. Ricompare allora la vecchia che aveva precedentemente dissetato Papageno. Questa volta balla, appoggiandosi al bastone. La scena è comica, ma ha un finale tenero e sentimentale. La vecchia infatti ha parole dolci per Papageno, che ne ha ribrezzo; ma alla fine si trasforma in ragazza giovane e bella, vestita come Papageno, il quale trova cosí la sua Papagena. 

I tre Fanciulli annunciano che gli errori e le superstizioni stanno per essere sconfitti e che la saggezza vincerà. Chiedono che la pace discenda nel cuore degli uomini. Allora la terra sarà come un regno celeste e i mortali uguali agli dei. Vedono Pamina disperata, perché crede che il suo amore sia disprezzato e la salvano nel momento in cui sta per suicidarsi. Le assicurano poi che Tamino è salvo e l'invitano a seguirli nella sua ricerca. La scena si conclude con una delle solite sentenze moraleggianti: « Due cuori presi d'amore, nessuna potenza umana può separarli. Le forze nemiche sono vane, poiché gli dei stessi li proteggono ». 

Tamino deve ancora superare le prove piú terribili: quella del fuoco, dell'acqua, dell'aria e della terra. La scena rappresenta due grandi montagne: sull'una c'è una cascata d'acqua; l'altra lancia lingue di fuoco. Tamino è accompagnato da due uomini in armatura nera ed è senza scarpe, secondo il rito massonico dell'iniziazione. C'è anche una piramide sulla quale si legge che « colui che sa vincere questi pericoli, si slancerà dalla terra al cielo, potrà ricevere l'ispirazione e consacrarsi interamente ai misteri di Iside ». Mentre Tamino dichiara di non temere la morte e di voler proseguire il cammino della virtú, si ode la voce di Pamina dall'interno. I due uomini in armatura nera ricongiungono i due innamorati e acconsentono che Tamino sia accompagnato da Pamina, anch'essa degna di essere consacrata, per non temere né la notte, né la morte.